Por lo que vuelvo y me pregunto ¿las guerras y la violencia configuran las corrientes artísticas o son la droga para la creatividad? No sé, tal vez… Y pensando en las situaciones en que las personas viven o vivieron en sus países a causa del declive económico, político y social originado por la guerra, en especial las dos grandes del siglo XX, considero que el desastre que se hereda ha tenido gran influencia en la creatividad de cada artista, pues estos eventos han generado consigo un cambio radical en la forma de pensar y sentir del ser humano y como producto del choque de esas emociones surgieron nuevas expresiones artísticas las cuales plasmaron el horror que se vivía como consecuencia de la viciada malicia de quienes a costa del sufrimiento de los demás deseaban el dominio de las tierras. Lo cierto es que la guerra obligó a los artistas e intelectuales como escritores, pintores, dramaturgos, músicos y cineastas de todo el mundo -más que los trabajos de los científicos, que no hicieron otra cosa que experimentar con el dolor ajeno- a replantearse el concepto de civilización y así lo manifestaron en sus correspondientes obras artísticas las cuales han sido el reflejo de la atroz imagen de ese calvario por el que han pasado los seres humanos a lo largo de la historia. De hecho la poesía era esa manifestación de amor que trabaja con el límite de las palabras: la rima -decir a través de las palabras aquello que con las palabras no se puede decir- y su forma de expresión resaltaba lo bello de aquel sentimiento, pero esta concepción cambió cuando el horror del holocausto evocó en los poemas el horror, la muerte, la desgracia y la pena humana –y no por ello la poesía deja de ser hermosa, a lo mejor eso es lo que nos hace especiales: el tener la capacidad de expresarnos-; lo mismo sucedió con el cine francés, el italiano y el japonés entre otras artes.

Traducida al inglés como Sincerity Heart este es el segundo largometraje del japonés tras su ópera prima Musuko no seishun, el guion de la historia estuvo a cargo de su mentor Keisuke Kinoshita. Esta es una película con grandes temas estéticos y espirituales propios de Kinoshita pues los personajes son bondadosos y sus tonos sentimentales están profundamente insertados en los cimientos y edificación del film, a través de una puesta en escena y mediante una estructura y montaje escénico muy clásico, esta historia de sueños sin cumplir derrite una sensibilidad a flor de piel que potencia la emoción extrema estimulando las lágrimas.

El relato es acerca de un joven que cae en una atracción romántica desesperada por su vecina inválida a la que solamente puede contemplar en la lejanía, por lo cual prefiere mantener el hecho en secreto ante su familia, quienes tienen costumbres bastante arraigadas y van guiando el melodrama a un clímax y final virtuoso. La película comienza con un grupo de adolescentes jugando un partido de rugby, entre los jugadores se encuentra Hiroshi, un joven de familia adinerada y deseoso de vivir nuevas experiencias como viajar a Europa en busca de cumplir su sueño como deportista. Su padre se niega a esta idea y prefiere que él ingrese a la universidad para que en un futuro le ayude en la dirección del negocio familiar, del mismo modo y al estilo de bucle, el film termina con Hiroshi y su entrenador en el mismo campo.

Masaki Kobayashi fue uno de esos directores intelectuales que destacó por ser excepcional a la hora de narrar historias, aparte de ser reconocido en el ámbito internacional desde hace décadas, fue un artista demasiado sensible y cercano al humanismo siendo leal a su ideología por la cual militó a favor del pacifismo, el antimilitarismo, la equidad social y la desaparición de la crueldad masiva en lo que respecta a las relaciones sociales y a los intercambios cotidianos entre los humanos.

No existe mejor representación que la que realizó el actor Tatsuya Nakadai en esta mítica trilogía de filmes, la cual relata el viacrucis de Kaji, un hombre socialista y pacifista durante las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, que pretende librarse del servicio militar aceptando trabajar como supervisor en el campo minero de la Manchuria ocupada, en donde intentará poner en práctica su ideología humanista; la película está basada en una novela de Gomikawa Junpei y es una monumental obra de arte con una duración de casi diez horas: el director la dividió en tres películas individuales que se titulan No hay amor más grande, El camino a la eternidad y La plegaria del soldado, todas con fuertes elementos autobiográficos.

En estas tres propuestas, Kobayashi critica lo absurdo que resulta ser el honor social y el servicio a la ideología de las clases dominantes, despojando en todo su sentido las “virtudes” con las que dice que cuenta el ser humano para descubrir sus verdaderas intenciones y mostrar todas sus contradicciones, desplegando de esta forma el descaro del autoritarismo capitalista salvaje que pretende absorber al más débil y someterlo a su caprichosa voluntad como si se tratara de un simple objeto bajo sus dominios psicópatas con el único fin de controlar el destino público.

Otro trabajo importante dentro de su filmografía es sin duda Harakiri (Seppuku, 1962), la cual también representa una de las mejores películas del cine japonés. Masaki, en este filme, nos muestra la historia del Rōnin Tsugumo Hanshirō, que tras el colapso de su clan queda desempleado y llega a la mansión de Lord Iyi, solicitando cometer en su propiedad el suicidio ritual por Harakiri; mientras espera a los padrinos de la ceremonia, relata la historia que lo ha llevado a tomar esta drástica decisión.

¿Cuál es el costo del honor? Harakiri es uno de esos filmes que te pueden dejar con la boca abierta, pues el director muestra sin tapujos la crueldad del poder y de sus dirigentes, que suplen rituales para ahorrarse futuros problemas, coaccionando a favor de ese salvajismo que sus cómplices disfrazan de credo sólo para preservar la oligarquía. En suma, esta es una cinta despiadada y magistral contra la locura del explotado que defiende al explotador utilizando como marco moral, religioso e ideológico algo impuesto desde un maltrato psicológico y físico sobre la vida de los demás, privándolos de cualquier mecanismo con el objetivo de que el mensaje de docilidad y obediencia sean internalizados y sentidos como propios para que se repliquen de generación a generación.

El magnífico género terror tiene una larga trayectoria que se reconfigura a mediados del siglo XX y Kobayashi participa en este cambio, por ello algunos lo nombran como el maestro del terror pues en este film -que por cierto es su primera película a color- el director adaptó una excelente narración al estilo de Alfred Hitchcock en un combo de historias extraídas de tres trabajos literarios del escritor británico Patrick Lafcadio Hearn, un compilador occidental de leyendas y cuentos tradicionales de fantasmas del Japón; lo que hace especial a este largometraje es la combinación del enfoque metódico y casi enloquecedoramente paciente del drama de Kobayashi y sus experimentos expresionistas con el color, el sonido, el artificio teatral y los personajes.

Con Kwaidan, en cierta medida se ponen los cimientos fundamentales de la tradición espectral cinematográfica posterior de los nipones, estos relatos se invierten para poner en primer plano la exquisita artificialidad de la puesta en escena y la fotografía a todo color con vistas a enfatizar el tono surrealista, el uso de la perspectiva, el juego con la iluminación ambiental y artificial, el alucinado y tenebroso drama psicológico, y en especial, el dinamismo de la regla de tercios que hacen de esta obra una epopeya dividida en cuatro episodios autónomos denominados como El pelo negro, La mujer de las nieves, Hoichi el desorejado y En una taza de té. El encargado de la adaptación para la pantalla grande de los diversos cuentos recolectados por Hearn fue Yôko Mizuki y gracias a estos grandes artistas es que heredamos con el paso del tiempo las mejores historias sobre fantasmas más atormentados y ortodoxos, transformados en vengadores compulsivos contra cualquiera que habite un determinado espacio y construidos con características de personas vivas que realizan acciones muy concretas; en Kwaidan se hace muy evidente el talento del director japonés para generar suspenso y acumular tensión alrededor del viejo arte de la fascinación con lo extraño e insólito y construir una permanente sensación de turbación emocional, de peligro y con delicadeza alucinada.